КУЛЬТУРА СРЕДНЕВЕКОВЬЯ И ВОЗРОЖДЕНИЯ

Средние века — большая эпоха человеческой истории, которая охватывает приблизительно V-XV столетия. Культура европейского средневековья возникла на обломках Римской империи. Ослабление и разрушение централизованной имперской власти сопровождалось мятежами, войнами, упадком морали и хозяйственной разрухой.

В этой грозовой атмосфере всеобщего беспорядка решалась судьба европейской культуры. Три силы определяли ее будущее: >

традиции греко-римской культуры, которые приходили в упадок. Они сохранялись в немногих культурных центрах: античных храмах, библиотеках и художественных мастерских. Среди сторонников этих традиций были высокообразованные люди, но новых идей, которые бы смогли завоевать широкое признание, они выработать уже не могли; >

дух варварства, носителями которого были разные народы, заселявшие провинции римской империи, и те, что нападали на нее извне. Они были воинствующие и злые, идеалы и ценности античного мира были им чужды и непонятны. Если бы им удалось не только разгромить римское государство, но и ввести в нем свой образ жизни, то Европа постоянно была бы местом пребывания диких орд полукочевников, но дух варварства не имел серьезной возможности укрепиться на европейской земле. Духовный мир варварских народов примитивен и беден, он не смог противостоять развитым формам духовной жизни Рима. Нашествия варваров волнами надвигались на европейские земли, но, завоевывая их, смешивались с местным населением и перенимали обычаи и веру; >

христианская религия, которая определяла путь культурного развития Европы. От иудаизма она унаследовала не только идею Единого Бога (монотеизма) и Ветхий Завет, но и элементы старинных восточных культов, которые легли в ее основу. Вместе с тем, учение Иисуса Христа формировало в сознании людей принципиально новые гуманистические установки; таким образом, христианство представляло собой свежее течение, способное вдохнуть новую жизнь в культуру Европы. Тем не менее, эта победа была нелегкой. В самом христианстве было много направлений, в которых отражалось влияние побежденных им сил. Достаточно вспомнить, что в этой борьбе христианские богословы вынуждены были включить идеи античной философии в свои догматы. Большое влияние на христианство имели идеи Филона и Сенеки. Александрийский философ Филон выдвинул идею о прирожденной греховности человека, о необходимости спасения души с помощью страдания. Им было разработано учение о Логосе, которое развивает взгляды иудейской религии на мессию. Филон учил, что мессия носит имя Логос (с греч. logos — слово), что мессия сам является Богом.

Свыше пятисот лет («темные столетия», как иногда называют VI — X ст.) длился период становления новой культуры — 1000 год может быть условно принят за начало периода ее зрелости.

Продолжительная и упорная борьба с греко-римским и варварским язычеством придала специфический вид средневековому христианству и средневековой культуре. Христианство вывело народы Европы из варварского состояния, но при этом уничтожило своих противников, отвергло античные идеалы мудрости, красоты. Богословы постоянно подчеркивали недоверие к человеческому уму, приоритет веры над разумом, опасность «умозрительности». Античное возвеличивание ума было заменено его унижением. Следствием этого был расцвет иррационализма и мистики. Средневековый человек был склонен руководствоваться в жизни не столько логическими соображениями, сколько догматическими установками. Он больше доверял таинственным знакам и символам, мистическим провидениям и рассказам, чем самостоятельному критическому мышлению. Вся природа казалась ему символом высшего, невидимого мира. Символом Вселенной считался церковный храм — «дом Божий», купол которого воспринимался как небесная сфера, портал — как «небесные ворота». Тайный символический смысл придавался отдельным вещам и магическим действиям. Считалось, что изображенные вещи или произнесенные слова имеют особую чудодейственную силу. Так, уже у ранних христиан особым вниманием пользовалось изображение рыбы — по той причине, что на греческом языке слово «рыба» состоит из букв, с которых начинается пять слов: Иссус Христос, сын Божий, спаситель.

Люди жили в атмосфере чуда, которое воспринималось ими как реальность. Самостоятельно мыслящая личность была развита относительно слабо, коллективное сознание доминировало над индивидуальным.

Церковь осуждала античный культ тела как греховный, требуя проявлять заботу о душе, а не о теле. Вместо этого она провозглашала силу культа аскетизма, который стал характерной особенностью средневековой культуры. Прославлялись пустынники, которые отказывались от любых чувственных удовольствий. В особенности греховными считались сексуальные наслаждения. Средневековая церковь допускала их лишь ради рождения детей. Уже сам вид оголенного тела вызывал у верующих негодование. Средневековый идеал красоты полностью отличается от греческого: худая, плоскостная фигура с тонкими руками и ногами, узкими опущенными плечами и изможденным лицом, на котором выделяются глаза, направленные куда-то в неизвестный духовный мир.

Содержание религиозного сознания в эпоху средневековья обусловило образование химерической смеси, которая отражала пренебрежительность к человеческой личности и христианскую заботу о спасении души.

Характерные особенности средневекового искусства:

У Средневековое искусство почти полностью было подчинено религии, отсюда его спиритуализм (от лат. вршШаНв — духовный) — объективно-идеалистическое учение, в соответствии с которым дух (душа) является первоосновой мира.

У Церковь была главным заказчиком произведений искусства. Развивалось искусство иконописи. В живописи и скульптуре доминировали библейские сюжеты. Высокого совершенства достигла духовная музыка. Сложились каноны торжественного и величавого «песнопения», возникли такие музыкальные формы, как хорал, месса, реквием.

У Искусство уже не старается изображать природу, ее реальные формы, оно превращается в символ потустороннего. Формируется другая система пластического языка, выразительных средств (декоративность использования золота, плоскостной характер человеческих фигур, нарушение их пропорций и т. п.).

У Мечту о разумном устройстве мира средневековое искусство отражало условным языком (хотя все искусство имеет условный характер).

У Церковь всегда понимала силу искусства, его большое влияние на массы и относилась к нему как к священному писанию для неграмотных, главная задача которого была привлекать к вере.

У Близость к народному творчеству (поэзия, юмор, народные обычаи) отразились на характере средневекового искусства, создается оно руками ремесленников — представителей народа.

Средневековое искусство утратило то ценное, что было достигнуто художниками античности, отвергло идеал гармонично развитого человека, прекрасная внешность которого вмещала в себе мужество и силу духа, ясный и светлый внутренний мир. Но в то же время средневековые мастера отобразили в человеке большое богатство внутреннего мира, страстные душевные переживания, обратили внимание на большое многообразие чувств, отображенных в трогательной драматической форме.

Время расцвета средневекового искусства делится на два периода: романский и готический.

Романский стиль западноевропейского средневекового искусства охватывает период с X до XII ст., когда господство религиозной идеологии было наиболее полным. Главная роль в романском стиле отводилась суровой, оборонительного типа архитектуре — церквям, монастырям, замкам. Внешний вид романских зданий отличался монолитной цельностью и торжественной силой.

Готический стиль — новый и главный этап в истории средних веков, связан с жизнью средневекового города, в это время городская жизнь порождает новые типы зданий, прежде всего светского назначения: биржа, таможня, больницы, рынки. Городская ратуша — здание городского совета — представляло собой двух- или трехэтажное здание с галереей в нижнем этаже, с парадными залами, где заседали городской совет и суд — на втором этаже, со вспомогательными помещениями — на третьем. Особое внимание уделялось сторожевой башне ратуши (беффрук), которая была символом независимости республики, подобно тому, как городской храм был символом благосостояния граждан. На площади перед ратушей происходили диспуты, лекции, разыгрывались мистерии.

Готика — это художественный стиль Западной и Центральной Европы времен позднего средневековья между серединой XII ст. и XV-XVII ст. Готическое искусство, которое пришло на смену романскому стилю, было преимущественно культовым и развивалось в границах церковной идеологии. Больше трех столетий (конец Х11 — начало ХV ст.) продержалась готика во Франции, которая по праву считается родиной классической готики.

Для строительства готических храмов была разработана новая конструктивная система, в основу которой была положена новая каркасная структура, стрельчатые арки и ребристый свод, полуароч- ные формы (аркбутаны) стен и столбов (форсов), в промежутках которых были расположены большие окна, украшенные витражами. На фасадах строились башни, высотой до 150 метров. И извне, и внутри храмы разукрашивались многочисленными скульптурами и каменной резьбой. Здания стали легкими, по композиции направленными вверх.

Итак, для готической архитектуры было характерно: грандиозная высота; большие пространственные окна; каменное скульптурное украшение стен.

Выдающиеся памятники французской готической архитектуры. Самым известным памятником периода ранней готики был собор Парижской Богоматери (1163-1208 г.), архитекторы Жан де Шель и Пьер де Монтро. Храм вмещал до 9000 людей. Западный фасад своей конструкцией служил примером для многих следующих соборов: над тремя перспективными порталами последовательно поднимается так называемая галерея королей, три больших окна с «розой» посередине, две башни. Все части украшены стрельчатыми арками. В конструкции собора Парижской Богоматери четко прослеживаются основные принципы готики: стрельчатый свод, высота которого 35 м, стрельчатые окна, но от «тяжелой» романской архитектуры осталась массивная поверхность стен, приземистые столбы, доминирование горизонтальных ритмов, массивные башни, сдержанный скульптурный декор.

Подобно пирамидам Египта, подобно Парфенону в Афинах или храму Святой Софии в Константинополе, собор Парижской Богоматери будет не только в веках, но и в тысячелетиях свидетельствовать об идеалах и уникальной, художественной культуре

народа, который создал его. Собор Нотр-Дам в Париже

Вершина французской зрелой готики — собор Нотр-Дам в Реймсе (1211-1311 гг.), архитекторы Жан из Орбе, Жан де Лу, Гоше из Реймса, завершил строительство архитектор Роббер из Кусе.

Собор отличается более богатой пластикой. Он представляет собой большую каменную скульптуру. Как и в парижском соборе, главный фасад состоит из трех ярусов с ажурной «розой» посредине и двумя могущественными башнями. Тем не менее, здесь вертикаль легко и в то же время торжественно доминирует над горизонталью, разность между ярусами почти исчезает, а стена полностью заполняется утонченной, почти филигранной архитектурой, которая направляется вверх.

Собор Нотр-Дам в Реймсе Собор в Амьене

Амьенский собор — самый величественный и высокий готический собор во Франции, его длина — 145 м, высота — 42,5 м. Амьенский собор строился 40 лет с 1218 до 1258 года Роббером де Люзаршем и Тома де Корлином. Амьенский собор часто называют «готическим Парфеноном».

Скульптура готики. Тематикой скульптурных произведений, которые украшают фасады соборов, является: статуи святых и аллегорические фигуры; лучшие из них отмечены одухотворенной красотой, торжественностью поз и жестов; в других частях здания — многочисленные светские изображения — сатирические образы, фантастические фигуры зверей (химеры). Такие соборы, как Парижский, Амьенский и Шартрский (на протяжении всего фасада) насчитывают каждый до 2000 скульптур. Скульптура заполняет соборные порталы, распространяется по всему фасаду, используя каждый выступ, каждую архитектурную деталь. Готические скульпторы показали своих современников, какими они были в действительности, без поправок, без обобщений.

Памятники готической скульптуры: 1.

Химеры собора Парижской Богоматери. 2.

Улыбающийся ангел. Статуя западного фасада собора в Реймсе. 3.

Встреча Марии и Елизаветы. Скульптурная группа собора в Реймсе. 4.

Эккегард и Ута. Скульптурная группа собора в Наумбурге.

ИСКУССТВО ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ

Итальянское Возрождение (от франц.

«ренессанс», итал. «ринашименто») — этот термин впервые был внедрен Джорджо Вазари, архитектором, живописцем и историком искусства XV ст. для определения исторической эпохи, переходной от средневековой культуры к культуре Нового времени (в Италии ХІV-XVI ст., в других странах Европы конец XV-XVI ст.).

Возникновение Возрождения связано с формированием новых (буржуазных или рыночных) отношений, которые требовали разрушения сдерживающей их развитие средневековой системы. Этот процесс сопровождался переменами в духовной жизни общества. Что составляет непременное условие личного успеха, как не большее знание и умение, большая энергия и упорство в достижении цели? Осознание этой истины заставляло многих современников Возрождения обращаться к науке и искусству, вызывало рост потребности в знаниях, в обществе, поднимало общественный престиж образованных людей. В это время получила развитие новая буржуазная идеология, возникло новое мировоззрение, которое получает название «гуманизм» (от лат. Ьитапш — человечный).

Представители гуманизма итальянского Возрождения подвергли критике всю систему феодального мировоззрения. Они отвергли церковные догмы, выступили против контроля церкви над деятельностью человека, отрицали церковную пропаганду аскетизма, утверждали право человека на земное счастье. Лозунг гуманистов: «Ячеловек и ничто человеческое мне не чуждо!»

Художники и писатели стараются правдиво изображать природу и человека, именно человека, одаренного безграничными творческими возможностями, способного изменить окружающий мир. Поэтому возникает в это время такой горячий интерес к античности, ее культуре и искусству. Архитекторы, скульпторы, живописцы стараются в своем творчестве возродить традиции мастеров античности (отсюда и термин

Возрождение или Ренессанс). Данте (1265-1321)

Этапы Возрождения:

У Ранний Ренессанс (триченто и кватроченто) — с середины ХІV-ХV ст.

У Высокий Ренессанс (чинквеченто) — до второй трети ХVІ столетия.

У Поздний Ренессанс — вторая треть ХVІ — первая половина ХVІІ ст.

Ранний Ренессанс. Картина развития итальянской ренессансной культуры очень разнообразна, что обусловлено разным уровнем экономического и политического развития разных городов Италии, разным уровнем могущества и силы буржуазии этих городов-государств, городов-коммун, их разным уровнем связей с феодальными традициями.

Ведущими художественными школами в искусстве итальянского Ренесанса были в XIV ст. сиенская и флорентийская, в XV ст. — флорентийская, умбрийская, падуан- ская, в XVI ст. — римская и венецианская. К этому времени относится творчество таких известных поэтов-флорентийцев, как Данте («Божественная комедия»), Франческо Петрарка (сонеты «Книга песен»), Джованни Бокаччо («Декамерон»); художников Сандро Боттичелли («Рождение Венеры»), Джотто ди Бондоне (фрески «Поцелуй Иуды», фрески капеллы дель Арена в Падуе); архитектора Филиппо Брунеллески (строительство купола Флорентийского собора).

Высокий Ренессанс. С конца XV ст. Италия начинает ощущать все последствия невыгодного для нее экономического соперничества с Португалией, Испанией и Нидерландами. Северные города Европы организуют ряд военных походов на разрозненную Италию, которая теряет свое могущество. В этот трудное для нее время и наступает короткий «Золотой век» итальянского Возрождения — Высокий Ренессанс.

Этот трудный период, который совпал с периодом жестокой борьбы итальянских городов за свою независимость, вызвал к жизни идею объединения страны, идею, которая не могла не волновать лучшие умы Италии.

Период Высокого Ренессанса связан, прежде всего, с именами трех гениальных мастеров Возрождения — Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти, Микеланджело Буонарроти. В творчестве этих представителей Высокого Возрождения достигли вершины реалистические и гуманистическиеосновы культуры Ренессанса: в искусстве прославляется образ человека прекрасного, гармонично развитого, сильного духом и телом, который смог подняться над повседневностью. Поиск такого идеала и привел искусство к синтезу, обобщению, к раскрытию общих закономерностей явлений, к выявлению ее логического

Леонардо да Винчи (1452-1519) едва ли имеет равных себе по степени одаренности и универсальности среди представителей Возрождения. Леонардо одновременно был художником, теоретиком искусства, скульптором, архитектором, математиком, физиком, механиком, астрономом, физиологом, анатомом, ботаником. Его научные открытия и изобретения в области летательных аппаратов не утратили своего значения и на сегодняшний день. Тысячи страниц рукописей Леонардо охватывают буквально все области знаний и свидетельствуют об универсальности гения.

Основные произведения живописи: 1.

Автопортрет (около 1512-1515 гг.). 2.

Мадонна Бенуа (1478 г.). 3.

Дама с горностаем (около 1485 г.). 4.

Мадонна Литта (1490 г.). 5.

Портрет Моны Лизы («Джоконда») (1503-1506 гг.).

Одной из наиболее знаменитых картин в мире является портрет женщины купца дель Джокондо Моны Лизы. О портрете написано сотни страниц: как Леонардо устроил сеансы, приглашая музыкантов, чтобы не угасала на лице модели улыбка, как долго (что характерно для Леонардо) работал над портретом, как старался совершенно передать каждую черту этого живого лица. Портрет Моны Лизы — это решительный шаг по пути развития ренессансного искусства. Впервые портретный жанр стал на один уровень с композициями на религиозную и мифологическую тему.

В этом портрете трудность задачи, которую поставил перед собой большой художник, состояла в том, чтобы на картине был отображен не один какой-нибудь момент состояния человека, а сложный и продолжительный процесс его душевной жизни.

Среди многочисленных новаций Леонардо следует назвать особую манеру письма, которая получила название дымчатой светотени («сфумато», от итал. ?ишо — дым). Нежная улыбка Моны Лизы в объединении с открытым взглядом умных, чуть насмешливых глаз «сфумато» раскрывают противоречивость, невыразительность и многогранность ее натуры. Именно эта неуловимость скрытых ощущений заставляет многих критиков считать образ Моны Лизы загадочным и таинственным.

Идеи монументального искусства Возрождения, в которых слились традиции античности и дух христианства, нашли наиболее яркое отображение в творчества Рафаэля Санти (14831520). В его искусстве нашли зрелое решение две основные задачи: пластическое совершенство человеческого тела, которое отображало внутреннюю гармонию всесторонне развитой личности, в чем Рафаэль наследовал античность, и сложное разнообразие мира.

Никто из мастеров Возрождения не воспринимал так глубоко и естественно языческую сущность античности, как Рафаэль; неслучайно его считают художником, который наиболее полно связал

античные традиции с западноевропейским искус- Леонардо да Винчи.

ством новой поры. Портрет Моны Лизы («Джоконда»)

На протяжении всей жизни Рафаэль ищет образ гармонично совершенного человека. Этот образ он нашел в Мадонне, многочисленные изображения этого образа принесли ему всемирную славу. Заслуга художника состоит в том, что он сумел выразить тайные оттенки чувств и идеи материнства, соединив лиричность и глубокую эмоциональность с монументальным величием. Это видно во всех его Мадоннах, начиная с юной и стыдливой «Мадонны Конестабиле» и в особенности в вершине рафаэлевского духа и мастерства — в «Сикстинской Мадонне». Без сомнения, это был путь преодоления простодушного толкования беззаботной и светлой материнской любви к образу, наполненного высокой духовностью

Мадонна Конестабиле и трагизма, построенном на со

вершенном гармоническом ритме:

пластическом, колоритичном, линейном. Но это был также путь последовательной идеализации. Тем не менее, в «Сикстинской Мадонне» это идеализирующее начало отходит на второй план и уступает место трагическому ощущению, которое исходит от этой идеально прекрасной молодой женщины с грудным ребенком — Богом на руках, которого она отдает для искупления человеческих грехов. Взгляд Мадонны направлен мимо зрителя, преисполнен скорбного предвозвещения трагической судьбы сына (взгляд которого тоже не младенчески серьезен). «Сикстинская Мадонна» — одно из наиболее совершенных произведений Рафаэля и в образном языке композиции: фигура Марии с грудным ребенком четко обрисовывается на фоне неба, объединенная общим ритмом движений с фигурами св. Варвары и Сикста IV, жесты которых обращены в направлении Мадонны, как и взгляды двух ангелов в нижней части композиции. Фигуры объединены общим золотым колоритом, который будто символизирует божий свет. Но главное — это тип лица Мадонны, в котором воплощен синтез идеала красоты с духовностью христианского идеала, который был очень характерен для мировоззрения Высокого Возрождения.

Рафаэль получил также известность благодаря своим архитектурным проектам дворцов, вилл, церкви и небольшой часовни в Ватикане. Он был назначен руководителем строительства купола Собора св. Петра.

Рафаэль был выдающимся портретистом своей эпохи, создал такой вид изображения, где, кроме соответствующих отдельных черт, выступает образ человека эпохи (портреты «Папа Юлий II», «Лев Х»).

Третий выдающийся мастер Высокого Возрождения — Микеланджело Буонарроти (1475-1564), скульптор, архитектор, живописец и поэт. Несмотря на его разнообразные таланты, его называют первым рисовальщиком Италии благодаря самой значительной работе уже зрелого художника — росписи свода Сикстинской капеллы в Ватикане (1508-1512), общая площадь фрески 600 м2 на высоте 18 метров.

Особенно выделяется из живописных работ мастера фреска «Страшный суд» — фрагмент алтарной стены Сикстинской капеллы.

Центральную часть потолка Микеланджело посвятил сценам священной истории, начиная от создания мира. Под живописным карнизом он написал пророков, изобразил эпизоды из Библии и предков Христа как простых людей, занятых будничными делами. Основная идея росписи — апофеоз творческого могущества человека, прославление его телесной и духовной красоты. Смелость художника в изображении обнаженных тел вызвала негодование церкви, что свидетельствовало о начале наступления реакции на основы идеологии Возрождения.

Живописец, скульптор, поэт Микеланджело был также и гениальным архитектором: парадные ступеньки флорентийской библиотеки Лоуренциа- ни, оформленная площадь Капитолия в Риме, восстановленные ворота Пиа (Porta Pia).

Подлинное признание как архитектор и скульптор Микеланджело Буонарроти приобрел как автор проекта и руководитель строительства здания Собора св. Петра в Риме, который до настоящего времени остается самым крупным католическим храмом в мире.

Не меньшую известность принесли ему архитектурные и скульптурные работы во Флоренции: гробница папы Юлия II и гробница Медичи.

Наиболее полно талант Микеланджело раскрылся в скульптуре. Начиная с первой своей работы «Вакх», в которой он изображает античного бога вина оголенным юношей, оголенное прекрасное тело отныне и навсегда становится для Микеланджело главным и, в сущности, единственным предметом искусства.

Одна из ранних работ Микеланджело — статуя Давида высотой свыше пяти метров, которую он создал для своей родной Флоренции, так как именно Давид защищал свой народ и справедливо им правил. Установка этой

статуи перед домом правительства Флоренции имела особое политическое значение: в это время, в самом начале XVI ст., Флорентийская республика, изгнав своих внутренних тиранов, была готова бороться как с внутренними, так и с внешними врагами. Хотели верить, что маленькая Флоренция может победить, как когда-то юный мирный пастух Давид победил великана Голиафа.

Наиболее любимыми поэтическими формами Микеланджело были мадригал и сонет, в которых он воспевал любовь, обращался к темам горького разочарования и одиночества художника-гуманиста в мире, где царит насилие. Эти трагические настроения звучат в стихотворении последнего титана эпохи Возрождения «Ночь»:

Отрадно спать, отрадней камнем быть

О, в этот век, преступный и постыдный,

Не жить, не чувствовать — удел завидный.

Прошу, молчи, не смей меня будить.

Историческое значение искусства Микеланджело, его влияние на современников и на следующие эпохи тяжело переоценить. Некоторые исследователи трактуют его как первого художника и архитектора барокко. Но больше всего он интересен нам как носитель вели- Микеланджело. Статуя Давида ких реалистических традиций Ренессанса.

<< | >>
Источник: Подольская Е.А., Иванова К.А., Лихвар В.Д.. Культурология: Учеб. пособие для студентов вузов.— Х.: Изд-во НФаУ: Золотые страницы. — 160 с.. 2003

Еще по теме КУЛЬТУРА СРЕДНЕВЕКОВЬЯ И ВОЗРОЖДЕНИЯ:

  1. Часть 2 Философия Средневековья и эпохи Возрождения
  2. Культура Возрождения
  3. Характер культуры Возрождения
  4. ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА СРЕДНЕВЕКОВЬЯ
  5. Культура Западноевропейского Средневековья.
  6. К возрождению культуры
  7. Вопрос 47. Художественная культура и искусство Италии в эпоху Возрождения
  8. Вопрос 38. Средневековая культура Западной Европы
  9. Мышление в средневековой культуре
  10. Вопрос 46. Изменения эпохи Возрождения в художественной культуре и искусстве
  11. Вопрос 48. Художественная культура и искусство Венеции в эпоху Возрождения
  12. Глава 3. Реклама в западноевропейской средневековой культуре
  13. Часть 3. Рождение нового мира. Культура Средневековья
  14. Порьяз А.. Мировая культура: Возрождение. Эпоха Великих географических открытий., 2000
  15. Порьяз А.. Мировая культура: Возрождение. Эпоха Великих географических открытий., 2002
  16. Начало Возрождения. Кватроченто Теория и практика искусства Возрождения